ساز عجیب و منحصر به فردی به نام هردی گردی
هاردی – گاردی یا هردی-گردی اولین ساز زهی است که مضرابهای آن به کلیدهایی متصل شده است. در ادامه این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام با این ساز عجیب و منحصر به فرد بیشتر آشنا شوید. ساز عجیب و منحصر به فردی به نام هردی گردی هردی گردی یک ساز زهی است که مضراب های آن به کلیدهایی متصل شده است.حرکت قوسی شکل آرشه ویولون در اینجا با چرخی متصل به یک دسته کوچک، انجام میشود و در اصل ایجاد صدا با چرخاندن این دسته انجام میگیرد. لبه خارجی چرخ چوبی با صمغ پوشیده شده و وقتی حرکت دسته به چرخ منتقل می شود چرخش آن موجب لرزیدن سیمها یا زه های ساز میشود.به عبارتی دیگر هردی گردی صدایی با یک هندل یا میل لنگ (کرانک) ایجاد میکند، یک چرخ رزین شده در مقابل سیمها کشیده میشود. چرخ همانند آرشه یک ویولن عمل میکند و نتهای فرد همانند ویولن نواخته میشوند.همانند بسیاری از سازهای زهی آکوستیکی این ساز نیز یک صفحه صدا برای قابل شنیدن کردن ارتعاشات سیمها دارد. بسیاری از هردی-گردیها دارای چندین سیم واخوان هستند که یک زیر و بمی ثابت همراه با ملودی میدهد که منجر به صدایی شبیه نی انبان میشود. به همین دلیل
فرهاد بادپا مدرس دف / تنبک / سازهای کوبهای / ریتم
ریتم در موسیقی از اهمیت بالایی برخوردار است و شناخت صحیح ریتم به شناخت عمیق موسیقی و تقویت گوش موسیقیایی کمک می کند. سازهای کوبه ای مانند تنبک، دف و … از جمله ساز هایی هستند که علاوه بر محبوبیت بالایی که دارند به شناخت موسیقی بسیار کمک می کنند. استاد فرهاد بادپا مدرس دف، تنبک،ریتم و سازهای کوبه ای در آموزشگاه موسیقی الهام می باشد. سازهای کوبه ای سازهای کوبه ای از قدیمی ترین سازهایی هستند که از هزاران سال پیش تمدن بشری از آنها استفاده میکرده است. اولین استفاده بشر از سازهای کوبه ای برای برقراری ارتباط راه دور بوده و بتدریج برای مراسم شادی، عزا، تشریفات مذهبی و … از آنها استفاده شده است. بیوگرافی استاد فرهاد بادپا فرهاد بادپا متولد سال ۱۳۵۵ و شهر تهران می باشد. اگرچه این استاد را با توانمندی های ویژه در حوزه تنبک نوازی و ساز های کوبه ای می شناسیم اما در ابتدا به ساز پیانو علاقهمند گردید و چند صباحی را به فراگیری این ساز اختصاص داد. سپس به طور جدی آموختن موسیقی را از سال ۱۳۶۷ و با ساز تنبک شروع نمود. مسیر هنری استاد بادپا تنبک نوازی را نزد بهمن رجبی آغاز نمود. پس از مدتی
انواع حق امتیاز در موسیقی و نحوه محاسبه آن
در مطالب پیشین در مورد مفهوم حق امتیاز در موسیقی و جایگاه آن در میان هنرمندان صحبت کردیم. اما شاید با نحوه محاسبه و انواع حق امتیاز در موسیقی آشنایی نداشته باشید.در ادامه این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام با انواع حق امتیاز در موسیقی و نحوه محاسبه آن آشنا شوید. انواع Music Royalties در آهنگ Neighboring Rights Royalties : اگر اثری از یک آرتیست در رسانههایی مثل رادیو، تلویزیون و … پخش شود، حقالزحمه به آرتیست و همینطور افرادی که در ساخت آن اثر دخیل بودند، پرداخت میشود. البته این پول از طریق لیبل مربوطه به آنها داده میشود. Print Music Royalties : این مورد برای آهنگسازان موسیقی متن و یا کلاسیک بیشتر کاربرد دارد. به این صورت است که با هر بار فروش قطعات (نتها) یک اثر به صورت کاغذی، هنرمند پولی را دریافت میکند. درست مثل فروش تیراژهای کتاب. نحوه محاسبه حق امتیاز موسیقی هنوز چگونگی شمارش و پرداخت حق امتیاز موسیقی برای صاحبین اثر به عنوان یک دغدغه بزرگ مطرح است.نحوه محاسبه Music Royalty توسط خودتان میتواند کمی دشوار باشد چون به عوامل متعددی وابسته است و شرکتهای بسیاری آن را تعیین میکنند. نرخ قیمت سالانه توسط شرکتهای حقوق اجرایی (PROs) و ارائه دهندگان
حق امتیاز در موسیقی (Music Royalty) به چه معناست؟
طبق تحقیقات انجام شده، مردم سراسر جهان روزانه بطور متوسط ۴ ساعت موسیقی گوش می دهند ؛ بدیهی است که رقابت در صنعت موسیقی شدید است و افرادی که در حوزه موسیقی کار می کنند باید در این رقابت به طور سالمی حرکت کنند. حق امتیاز در موسیقی یکی از مواردی است که این رقابت را کنترل می کند.در ادامه این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام با مفهوم حق امتیاز در موسیقی بیشتر آشنا شوید. حق امتیاز در موسیقی (Music Royalty) به چه معناست؟ حق امتیاز در موسیقی (Music Royalty) شاید برای ما واژهی آشنایی نباشد ؛ اما در سراسر دنیا یک قانون سفت و سخت به حساب میآید که هیچکس نمیتواند آن را دور بزند! قانونی که به کمک هنرمندان و هرکسی که به نحوی در دنیای دیجیتال، مشغول به «تولید محتوا» است، آمده است. شاید ندانید که بسیاری از هنرمندان به دلیل اینکه از کپیرایت و موارد حقوقی مربوط به آن باخبر نیستند، زحماتشان به باد میرود؛ چون از روشهای جمعآوری حق امتیاز باخبر نیستند. تا چه زمانی حق امتیاز یک آهنگ رایگان است؟ زمانی که به موسیقی مربوط می شود، مدت زمانی که طول می کشد تا موسیقی دارای حق چاپ تبدیل به موسیقی بدون
مفهوم تمبر در موسیقی
رنگ، طنین یا تَمبِر یکی از مفاهیم مهم در موسیقی است .تمبر در موسیقی ، عبارتی است برای توصیف کیفیت صدایی که ازسازموسیقی مخصوصی، به وجود میآید. در ادامه این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام با مفهوم تمبر در موسیقی بیشتر آشنا شوید.با ما تا انتهای این مطلب همراه باشید. مفهوم تمبر در موسیقی همانطور که گفته شد تمبر در موسیقی ، عبارتی است برای توصیف کیفیت صدایی که از ساز موسیقی مخصوصی، به وجود میآید، به عبارت سادهتر، کیفیت احساس شنوایی تولیدشده توسط تُن یک موج صوتی را تمبر می گویند . رنگ صدا در موسیقی رنگ صدا را به صورت ادراک و احساس شنوایی که توسط امواج صوتی تولید میشود هم تعریف کردهاند. به تعریفی دیگر میتوان گفت که تمبر، شامل خصوصیاتی از یک صوت میشود که آن را از اصوات دیگر متمایز میکند. دقیقا همین خاصیت صوت است که باعث میشود صدای مادرتان را از مادربزرگتان تشخیص بدهید. همانطور که محال است صدایی را که طنین ندارد، بشنویم، موسیقی نیز، باید طنین (تمبر) یا آهنگ مخصوصی داشته باشد تا شنیدنی باشد. به همین جهت، گاهی از آن با عنوان «رنگآمیزی» یا «آرایش» در یک اثر نیز یاد میشود. طنین در موسیقی مثل رنگ در نقاشی
تفاوت میان آهنگساز و ملودیست
در موسیقی مفاهیم نزدیک به هم اما متفاوتی وجود دارد که گاهی به اشتباه در جایگاه یکدیگر مورد استفاده قرار می گیرند.برای تشخیص و استفاده صحیح این مفاهیم باید نسبت به این مفاهیم شناخت کامل داشت.دو مفهوم آهنگساز و ملودیست نیز از جمله این موارد است که در ادامه این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام به تفاوت میان آهنگساز و ملودیست پرداخته ایم. تا انتهای این مطلب با ما همراه باشید. تفاوت میان آهنگساز و ملودیست برای درک تفاوت میان آهنگساز و ملودیست باید با مفهوم هر کدام به طور کامل آشنا شوید تا بتوانید نقش هر کدام را به درستی تشخیص دهید. مفهوم آهنگساز و آهنگسازی آهنگسازی درواقع هنری است که در طی آن یک اثر موسیقیایی خلق می شود، به کسی که این کاررا انجام می دهد یعنی یک اثر را در دنیای موسیقی خلق می کند آهنگساز می گویند. در واقع آهنگساز کسی است که تمام اجزای مختلف یک اثر موسیقایی را نت نویسی ، ساز های مورد استفاده را تعیین، و چگونگی تلفیق نت های نوشته شده روی ساز های مختلف را مشخص میکند، یا به صورت تخصصی تر یعنی کسی که اول ملودی تمام ساز ها را می نویسد و بعد طبق گام
آشنایی با ارژنگ کامکار، نوازنده تنبک و نقاش برجسته
ارژنگ کامکار نوازنده تنبک ؛ نقاش و از اعضای گروه کامکارها است که در این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام به معرفی بیشتر این هنرمند برجسته پرداخته ایم. لطفا تا انتهای این مطلب با ما همراه باشید. بیوگرافی ارژنگ کامکار وی در دوران کودکی علاقه وافری به هنر نقاشی و نوازندگی تنبک پیدا کرد. ارژنگ ابتدا سنتور، جاز و بالاخره نواختن تنبک را انتخاب نمود و بعدها در ارکستر موسیقى سنندج که سرپرستى آن با پدرش بود به نواختن مىپردازد. در زمان شکلگیری گروه کامکارها، ارژنگ کامکار به عنوان نوازندهٔ تمبک، ارکستر فرهنگ و هنر سنندج را همراهی میکرد. وی پس از چندى همکارى خود را با ارکستر فرهنگ و هنر استان آغاز و تا سال ۱۳۵۴ ادامه مىدهد، ارژنگ در این ارکستر «تنبک» مىنواخت و در تمام برنامههاى هنرى، فرهنگى شرکت داشت تا این که در سال ۱۳۵۵ عازم تهران شد و در کنار فراگیری دروسی در زمینه موسیقی، به تکمیل و یادگیری تکنیکهای تنبک نوازی پرداخت سپس در دانشکدهٔ هنرهای زیبای دانشگاه تهران تحصیل در رشتهٔ نقاشی را ادامه داد . حضور در رادیو ایران وی در سال ۱۳۵۵ به رادیو ایران می رود و همراه با گروه «شیدا» به رهبرى محمدرضا لطفى همکارى خود را
بیوگرافی ارسلان کامکار
ارسلان کامکار نوازندهٔ سازهای بربط و ویولن بوده و در زمینه آهنگسازی نیز فعالیت می نماید. در ادامه این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام با ارسلان کامکار بیشتر آشنا شوید. بیوگرافی ارسلان کامکار ارسلان کامکار در دوم دیماه سال ۱۳۳۹ در سنندج به دنیا آمد. او مقدمات موسیقی را نزد پدرش، حسن کامکار، فراگرفت. وی در خردسالی در سنندج با گروههای مختلفی که توسط پدرش سرپرستی میشد، به اجرای کنسرت میپرداخت. ارسلان کامکار، پس از چندی به تهران سفر کرد و در دانشکده هنرهای زیبای دانشگاه تهران فراگیری موسیقی را ادامه داد. همکاری با ارکستر سمفونیک تهران وی پس از تکمیل دروس موسیقی، به عنوان نوازنده ویلون، همکاریاش را با ارکستر سمفونیک تهران آغاز کرد. او هماکنون یکی از اعضاء این گروه و مایستر ارکستر سمفونیک تهران است. البته او همزمان، مایستر ارکستر فیلارمونیک کردستان نیز می باشد. ارسلان کامکار به خاطر فعالیت های هنری برجسته اش موفق شد در سال ۱۳۹۲ ، مدرک درجه ی یک هنری به او اعطاء شد. به دلیل استعداد فراوانی که در زمینه ی موسیقی دارد همیشه کلاس های او پرطرفدارترین کلاس های موسیقی می باشند. از برجسته ترین شاگردهای او می توان به مریم ابراهیم پور، روزبه بختیاری ؛سینا جهان آبادی
آشنایی با انواع هارمونی در موسیقی
همانطور که در مطالب پیشین در مورد مفهوم هارمونی در موسیقی گفته شد، هارمونی یکی از مهمترین مولفههای موسیقی و آهنگسازی به حساب میآید. به منظور تسلط بر این دانش حتماً باید مفاهیم مقدماتی در موسیقی را به خوبی یاد گرفته باشید. یکی از مهمترین مفاهیم بکار رفته در این دانش، آکوردشناسی است. انواع مختلفی از هارمونی بر اساس چینش مختلف آکوردها و همچنین قوانین بکار رفته در این دانش به وجود آمدهاند که هر یک دارای ویژگیهای منحصر به فردی هستند و انواع هارمونی را ایجاد می نماید..در ادامه این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام با انواع هارمونی در موسیقی آشنا شوید. انواع هارمونی با کنار هم قرار گرفتن آکوردها، هارمونیهای مختلف ایجاد میشوند. به طور کلی، ۹ هارمونی با چینش مختلف آکوردها در کنار هم به وجود آمدهاند که در ادامه ی توانید با انواع هارمونی در موسیقی آشنا شوید. هارمونی کلاسیک هارمونی کلاسیک از روی هم قرار گرفتن فاصلههای سوم به وجود میآید. هارمونی کروماتیک در دوره رمانتیک، سبکی از موسیقی ایجاد شد که در آن، آهنگسازان بیشتر به ابراز احساسات خود در موسیقی تمایل پیدا کردند. در آثار این آهنگسازان میتوان مفاهیمی از قبیل عشق، ایدههای شخصی، احساسات غیرعادی، مالیخولیایی و حتی شیطانی را
هارمونی چیست؟
احتمالاً تاکنون با واژهی هارمونی برخورد داشتهاید. هارمونی در موسیقی دانشی است که با به هم پیوستن آکوردها به شکل درست و منطقی، یک ملودی زیبا خلق می کند. با استفاده از دانش هارمونی است که ملودیهای بسیار زیبایی ساخته میشود. در ادامه این مطلب از وبلاگ آموزشگاه موسیقی الهام با مفهوم هارمونی در موسیقی بیشتر آشنا شوید. هارمونی چیست؟ هماهنگی یا هارمونی ریشه در کلماتِ یونانی دارد و در مُحاوره یا فلسفه، هارمونی را «تناسب» معنا میکنند. از نظرِ ریشهای هارمونی به معنای وحدت و هماهنگی است و بیانگرِ یگانگی در اجزا و تشکیل یک واحدِ کل است. هارمونی فرایندی از ترکیبِ صداهای فردی است که با شنیدن همزمانِ آنها تحلیل میشود. مفهوم هارمونی بهطور معمول با شنیدن همزمان بسامد ؛ وسعت صوتی ؛ رنگ صدا ؛ نت ها یا آکورد رخ می دهد . هارمونی در قرون وسطی در موسیقی قرون وسطی ؛ برداشت از هارمونی مربوط به دو صدا از حرکت موازی بخش ها به فاصله چهارم یا پنجم بود ودر دورهٔ رنساس برای سه صدا تغییر یافت. با توسعهٔ موسیقی پولیفونیک ، ترکیب و استفاده از فواصل سوم و ششم نیز رواج یافت و دانش کنترپوان در دورهٔ باروک به اوج شکوفایی رسید و منجر
